Figurenzeichnung - Figure drawing - Wikipedia

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Figurenzeichnung von Leonardo da Vinci

EIN Figurenzeichnung ist eine Zeichnung der menschlichen Form in einer ihrer verschiedenen Formen und Körperhaltungen unter Verwendung einer der Zeichnungen Medien. Der Begriff kann sich auch auf den Vorgang der Herstellung eines solchen beziehen Zeichnung. Der Grad der Darstellung kann von sehr detaillierten, anatomisch korrekten Renderings bis zu losen und ausdrucksstarken Skizzen reichen. Eine "Lebenszeichnung" ist eine Zeichnung der menschlichen Figur aus der Beobachtung eines Lebens Modell-. Eine Figurenzeichnung kann ein komponiertes Kunstwerk sein oder a Figurenstudie getan in Vorbereitung auf eine fertigere Arbeit wie ein Gemälde.[1] Das Zeichnen von Figuren ist wohl das schwierigste Thema Künstler häufig Begegnungen, und ganze Kurse sind dem Thema gewidmet. Die menschliche Figur ist eines der beständigsten Themen in der bildenden Kunst, und die menschliche Figur kann die Grundlage dafür sein Porträtmalerei, Illustration, Skulptur, medizinische Illustrationund andere Felder.

Nähert sich

Künstler verfolgen verschiedene Ansätze, um die menschliche Figur zu zeichnen. Sie können von Live-Modellen oder von Fotografien stammen,[2] von Skelettmodellen oder von Erinnerung und Vorstellungskraft. Der größte Teil des Unterrichts konzentriert sich auf die Verwendung von Modellen in "Life Drawing" -Kursen. Die Verwendung von fotografischen Referenzen - obwohl seit der Entwicklung von üblich Fotografie- wird oft kritisiert oder entmutigt wegen seiner Tendenz, "flache" Bilder zu erzeugen, die die dynamischen Aspekte des Motivs nicht erfassen. Das Zeichnen aus der Phantasie wird oft für seine Ausdruckskraft gelobt und für die Ungenauigkeiten kritisiert, die durch das mangelnde Wissen oder das begrenzte Gedächtnis des Künstlers bei der Visualisierung der menschlichen Figur entstehen. Die Erfahrung des Künstlers mit anderen Methoden hat einen großen Einfluss auf die Wirksamkeit dieses Ansatzes.

Bei der Entwicklung des Bildes konzentrieren sich einige Künstler auf die Formen, die durch das Zusammenspiel von hellen und dunklen Werten auf den Oberflächen des Körpers entstehen. Andere verfolgen einen anatomischen Ansatz, indem sie sich zunächst dem Inneren annähern Skelett der Figur, die die inneren Organe überlagert und Muskulaturund Bedecken dieser Formen mit der Haut und schließlich (falls zutreffend) Kleidung; Das Studium der menschlichen inneren Anatomie ist normalerweise an dieser Technik beteiligt. Ein anderer Ansatz besteht darin, den Körper lose daraus zu konstruieren geometrisch Formen, z. B. eine Kugel für den Schädel, ein Zylinder für den Oberkörper usw., verfeinern diese Formen dann, um der menschlichen Form näher zu kommen.

Für diejenigen, die ohne visuellen Bezug arbeiten (oder um ihre Arbeit zu überprüfen), Proportionen allgemein empfohlen in der Figurenzeichnung sind:[3]

  • Eine durchschnittliche Person ist im Allgemeinen 7 ½ Köpfe groß (einschließlich des Kopfes). Dies kann den Schülern im Klassenzimmer mithilfe von Papptellern veranschaulicht werden, um die Länge ihres Körpers visuell zu demonstrieren.
  • Eine ideale Figur, die für einen Eindruck von Adel oder Anmut verwendet wird, ist 8 Köpfe hoch gezeichnet.
  • Eine Heldenfigur, die zur Darstellung von Göttern und Superhelden verwendet wird, ist achteinhalb Köpfe groß. Der größte Teil der zusätzlichen Länge stammt von einer größeren Brust und längeren Beinen.

Diese Proportionen sind für ein stehendes Modell am nützlichsten. Posen, die einführen Verkürzung von verschiedenen Körperteilen führen dazu, dass sie sich unterscheiden.

Medien

Sitzende Frau, Zeichnung in schwarzem Wachsmalstift, Schule von Rembrandt (17. Jahrhundert)

Das Französischer Salon im 19. Jahrhundert empfahl die Verwendung von Conté Buntstifte, die aus Wachs, Öl und Pigment bestehen, kombiniert mit speziell formuliertem Papier. Löschen war nicht erlaubt; Stattdessen sollte der Künstler die Figur in hellen Strichen beschreiben, bevor er dunklere, sichtbarere Markierungen machte.

Figurenzeichnung von Lovis Corinth. Vor 1925

Eine beliebte moderne Technik ist die Verwendung von a Holzkohle Stick, hergestellt aus speziellen Reben und einer gröberen Form von Papier. Die Holzkohle haftet lose auf dem Papier, was ein sehr leichtes Löschen ermöglicht. Die endgültige Zeichnung kann jedoch mit einem aufgesprühten "Fixiermittel" aufbewahrt werden, um ein Abreiben der Holzkohle zu verhindern. Härter komprimierte Holzkohle kann einen bewussteren und präziseren Effekt erzielen, und abgestufte Töne können durch Verschmieren mit den Fingern oder mit einem zylindrischen Papierwerkzeug namens a erzeugt werden Stumpf.

Graphitstift wird auch häufig zum Zeichnen von Figuren verwendet. Zu diesem Zweck werden Künstlerstifte in verschiedenen Formulierungen verkauft, die von 9B (sehr weich) bis 1B (mittelweich) und von 1H (mittelhart) bis 9H (sehr hart) reichen. Wie Holzkohle kann es mit einem Stumpf gelöscht und manipuliert werden.

Tinte ist ein weiteres beliebtes Medium. Der Künstler beginnt häufig mit einem Graphitstift, um die Zeichnung zu skizzieren oder zu skizzieren. Anschließend wird die endgültige Linienarbeit mit einem Stift oder Pinsel und permanenter Tinte ausgeführt. Die Tinte kann mit Wasser verdünnt werden, um Abstufungen zu erzeugen, eine Technik, die als Tintenwäsche bezeichnet wird. Die Bleistiftmarkierungen können nach dem Auftragen der Tinte gelöscht oder mit den dunklen Tinten, die sie überwältigen, an Ort und Stelle belassen werden.

Einige Künstler zeichnen direkt mit Tinte, ohne eine Bleistiftskizze zu erstellen, und bevorzugen die Spontanität dieses Ansatzes, obwohl er die Fähigkeit zur Fehlerkorrektur einschränkt. Matisse ist ein Künstler, von dem bekannt ist, dass er auf diese Weise gearbeitet hat.

Eine bevorzugte Methode von Watteau und andere Künstler des 17. und 18. Jahrhunderts der Barock- und Rokoko Die Ära sollte mit einem farbigen Tongrund auf halbem Weg zwischen Weiß und Schwarz beginnen und mit Feder und Tinte oder "Wachsmalstift" Schatten in Schwarz und Glanzlichter in Weiß hinzufügen.

Geschichte

Die menschliche Figur ist seit prähistorischen Zeiten Gegenstand von Zeichnungen. Während die Atelierpraktiken der Künstler der Antike größtenteils eine Frage der Vermutung sind, wird die anatomische Raffinesse ihrer Werke nahegelegt, dass sie häufig aus Aktmodellen gezeichnet und modelliert wurden. Eine Anekdote von Plinius beschreibt wie Zeuxis überprüfte die jungen Frauen von Agrigentum nackt, bevor er fünf auswählte, deren Merkmale er kombinieren würde, um ein ideales Bild zu malen.[4] Die Verwendung von Aktmodellen in der mittelalterlichen Künstlerwerkstatt ist in den Schriften von impliziert Cennino Cenniniund ein Manuskript von Villard de Honnecourt bestätigt, dass das Skizzieren aus dem Leben im 13. Jahrhundert eine etablierte Praxis war.[4] Die Carracci, die ihre geöffnet haben Accademia degli Incamminati Legen Sie in den 1580er Jahren in Bologna das Muster für spätere Kunstschulen fest, indem Sie das Zeichnen des Lebens zur zentralen Disziplin machen.[5] Die Ausbildung begann mit dem Kopieren von Gravuren und ging dann zum Zeichnen aus Gipsabgüssen über. Anschließend wurden die Schüler im Zeichnen nach dem Live-Modell geschult.

Im späten 18. Jahrhundert wurden Studenten in Jacques-Louis DavidDas Studio folgte einem strengen Unterrichtsprogramm. Die Beherrschung des Zeichnens wurde als Voraussetzung für die Malerei angesehen. Die Schüler schöpften jeden Tag etwa sechs Stunden lang aus einem Modell, das eine Woche lang in derselben Pose blieb.[6] "Zeichnungen aus dem 18. Jahrhundert, wie sie Jacques-Louis David zugeschrieben wurden, wurden normalerweise auf getöntem Papier in roter oder schwarzer Kreide mit weißen Reflexen und einem dunklen Grund ausgeführt. Die Posen der Models waren tendenziell aktiv: Stehende Figuren scheinen sich zu rühren und Sogar sitzende Figuren gestikulieren dramatisch. Die genaue Beobachtung des Körpers des Modells war für die Wiedergabe seiner Geste zweitrangig, und viele Zeichnungen - im Einklang mit der akademischen Theorie - scheinen eher eine repräsentative Figur als einen bestimmten Körper oder ein bestimmtes Gesicht darzustellen Das neunzehnte Jahrhundert [...] wurde typischerweise in schwarzer Kreide oder Kohle auf weißem Papier ausgeführt und ist eine akribische Darstellung der Besonderheiten und Eigenheiten des Körpers des lebenden Modells. Der Nachweis der Hand des Künstlers wird minimiert und, obwohl liegend oder sitzend, posiert sind selten, auch stehende Posen sind vergleichsweise statisch ... " [7] Vor dem späten 19. Jahrhundert waren Frauen im Allgemeinen nicht zum Zeichnen von Figuren zugelassen.[8]

Akademiefigur

Ein Akademie Figur ist ein Zeichnung, Malerei oder Skulptur im wahrsten Sinne des Wortes von der nackter menschlicher Körper Verwenden eines Live-Modells, normalerweise in Halbwertszeit.[Zitat benötigt]

Es ist eine übliche Übung, die von Schülern an verlangt wird Kunstschulen und Akademiensowohl in der Vergangenheit als auch in der Gegenwart, daher der Name.[9]

Frauen

Eine transzendierte Akademiefigur des neoklassischen Malers Pierre Subleyras

Historische Berichte zeigen, dass Aktmodelle für das Streben Künstlerinnen waren weitgehend nicht verfügbar. Frauen wurden von bestimmten Einrichtungen ausgeschlossen, weil es für sie als unangemessen und möglicherweise sogar gefährlich angesehen wurde, anhand von Aktmodellen zu lernen.[10] Obwohl Männer sowohl Zugang zu männlichen als auch zu weiblichen Akten erhielten, beschränkten sich Frauen darauf, Anatomie aus Abgüssen und Modellen zu lernen. Erst 1893 erhielten Studentinnen an der Royal Academy in London Zugang zum Zeichnen im Leben.[11] und selbst dann musste das Modell teilweise drapiert werden.[12]

Der eingeschränkte Zugang zu Aktfiguren behinderte die Karriere und Entwicklung von Künstlerinnen. Die prestigeträchtigsten Formen der Malerei erforderten gründliche Kenntnisse der Anatomie, die Frauen systematisch verweigert wurden.[12] die dadurch zu weniger angesehenen Malformen wie z Genre, Stillleben, Landschaft und Porträtmalerei. Im Linda NochlinIn ihrem Aufsatz "Warum gab es keine großen Künstlerinnen?" Identifiziert sie den eingeschränkten Zugang, den Frauen zum Zeichnen von Aktfiguren hatten, als historisch bedeutendes Hindernis für die künstlerische Entwicklung von Frauen.[12]

Zeitgenössischer Atelierunterricht

Zeichnung eines Mannes, der mit gekreuzten Beinen sitzt
Aktstudie von Annibale Carracci

Die Anleitung zum Zeichnen von Figuren ist ein Element der meisten Kunst und Illustration Programme. Akademien der bildenden Kunst in Italien haben eine scuola libera del nudo ("freie Schule des Aktes"), die Teil des Studiengangs ist, aber auch externen Studenten offen steht.[13] In einem typischen Klassenzimmer eines Figuren-Zeichenstudios sitzen die Schüler entweder im Halbkreis oder im vollen Kreis um ein Modell herum. Keine zwei Schüler haben genau die gleiche Ansicht, daher spiegelt ihre Zeichnung die Perspektive der einzigartigen Position des Künstlers relativ zum Modell wider. Das Modell posiert häufig auf einem Ständer, damit die Schüler leichter eine freie Sicht finden können. Je nach Art der Pose können Möbel und / oder Requisiten verwendet werden. Diese sind in der Regel in der Zeichnung enthalten, soweit sie für den Künstler sichtbar sind. Hintergründe werden jedoch häufig ignoriert, es sei denn, das Ziel besteht darin, die Platzierung von Figuren in einer Umgebung zu erlernen. Einzelne Modelle sind am gebräuchlichsten, aber mehrere Modelle können in fortgeschritteneren Klassen verwendet werden. Viele Studios sind für eine Vielzahl von Beleuchtungsanordnungen ausgestattet.

Wenn sie auf College-Ebene unterrichtet werden, sind Figurenzeichnungsmodelle oft (aber nicht immer) nackt (abgesehen von kleinem Schmuck, Requisiten oder anderen unauffälligen Gegenständen). Während des Posierens wird das Modell normalerweise gebeten, vollkommen still zu bleiben. Aufgrund der Schwierigkeit, dies über einen längeren Zeitraum zu tun, sind periodische Pausen zum Ausruhen und / oder Dehnen des Modells normalerweise in längeren Sitzungen und für schwierigere Posen enthalten.

Zu Beginn einer Figurenzeichnungssitzung wird das Modell häufig aufgefordert, eine Reihe von kurzen Posen in schneller Folge zu machen. Diese werden als Gestenposen bezeichnet und dauern in der Regel jeweils ein bis drei Minuten. Gestenzeichnung ist für viele Künstler eine Aufwärmübung, obwohl einige Künstler die Geste als ersten Schritt in jeder Figurenzeichnung skizzieren.[14] Diese breiten Bewegungen werden nicht nur mit einem Handgriff ausgeführt, sondern mit dem gesamten Arm, um die Bewegung des Modells zu erfassen. Es hilft auch, den Künstler auf das Modell anstatt auf das Papier zu konzentrieren. Wenn es um den menschlichen Körper geht, sind Künstler schmerzlich kritisch; Die Proportionen eines Stilllebens müssen nicht perfekt gezeichnet werden, um authentisch auszusehen, aber selbst der kleinste Fehler in den menschlichen Proportionen wird leicht erkannt.

Moderne und zeitgenössische Künstler können Proportionen übertreiben oder verzerren, um die Geste oder die wahrgenommene Stimmung der Pose der Models zu betonen. Die Ergebnisse können als fertiges Kunstwerk betrachtet werden, das sowohl das Thema als auch die beobachtende, emotionale und markenbildende Reaktion auf die Erfahrung des Künstlers beim Zeichnen von Figuren zum Ausdruck bringt.

Anatomie ist nur die erste Ebene der Besorgnis in Lebensklassen. Figurengrund Beziehungen und andere Aspekte der Komposition werden ebenfalls berücksichtigt. Das Gleichgewicht einer Komposition wird durch das Zeichnen des Lebens entscheidender und daher verständlicher. Die Artisten kinästhetisch Die Reaktion auf die Pose und wie dies durch eine Auswahl von Kunstmedien vermittelt wird, ist ein fortgeschritteneres Anliegen. Da der Zweck von Figurenzeichnungskursen darin besteht, zu lernen, wie man Menschen aller Art, männliche und weibliche Modelle aller Altersgruppen, Formen und Formen zeichnet Ethnien werden normalerweise gesucht, anstatt nur schöne Modelle oder solche mit auszuwählen "ideale" Figuren. Einige Ausbilder versuchen ausdrücklich, die von Modefotografen bevorzugten Modelle zu vermeiden, "realistischere" Beispiele zu suchen und jegliche Implikation sexueller Objektivierung zu vermeiden. Ausbilder können auch Modelle bestimmter Körpertypen bevorzugen, die auf den von ihnen bereitgestellten einzigartigen Konturen oder Oberflächentexturen basieren. Die Vielfalt der angeheuerten Modelle kann durch die Notwendigkeit eingeschränkt sein, über längere Zeit eine Pose zu halten (Beseitigung unruhiger Kinder und gebrechlicher älterer Menschen) und Bedenken hinsichtlich Bescheidenheit und Legalität, wenn Modelle nackt posieren (Einschränkung des Einsatzes von Minderjährigen).

Siehe auch

Anmerkungen

  1. ^ Berry, Ch. 8 - "Zeichnen als Vorbereitung"
  2. ^ Maureen Johnson & Douglas Johnson (2006). Kunstmodelle: Lebensakte zum Zeichnen, Malen und Formen. Live-Modellbücher. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19. Januar 2014). "Standardproportionen des menschlichen Körpers". Makingcomics.com. Abgerufen 6. September 2020.
  4. ^ ein b Streng akademisch 1974 p. 6.
  5. ^ Streng akademisch 1974, p. 7.
  6. ^ Streng akademisch 1974, p. 8.
  7. ^ S. Waller, Die Erfindung des Modells: Künstler und Modelle in Paris, 1830-1870. 2016, S. 5.
  8. ^ Streng akademisch 1974, p. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» und «Modèle», dans Encyclopédie méthodique. Beaux-Arts, Paris, Panckoucke, 1791. Quelle zitiert in fr: Académie (Dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Künstlerinnen im Frankreich des 19. Jahrhunderts". Metropolitan Museum of Art.
  11. ^ Levin, Kim. "Die zehn besten ARTnews-Geschichten: Das verborgene Er enthüllen'". ArtNews.
  12. ^ ein b c Nochlin, Linda. "Warum gab es keine großen Künstlerinnen?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuolaS. 829–830. ISBN 8838778639 (auf Italienisch)
  14. ^ Das Handbuch des Kunstmodells http://www.artmodelbook.com

Verweise

Externe Links

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